记得学习中西古典舞审美的差异
世界上许多国家和民族都有各具独特风格的古典舞蹈，在世界范围内，各个国家在自己本民族的历史发展长河中，逐渐积累并形成了具有典范意义和独特风格的传统舞蹈。下面是整理的中西古典舞审美的差异，欢迎大家分享。
中西古典舞审美的差异
文化，作为一种人类生存方式和社会现象，既有其普适性的共性特征，也存在着时、空的异质性特色。特别是基于不同民族地域、历史、文化上的差异性，更是赋予文化现象以绚丽多彩的生命活力。舞蹈作为一种人类最古老的文化艺术门类，其历史感和民族文化特质更积淀厚重，源远流长。
从发展上考察，中国古典舞渊源于中国古老的戏曲舞蹈，植根、发展于中华民族文化传统的社会历史氛围中。独特的历史沧桑推演和文化陶冶，注入中国古典舞以中华民族特有的审美追求。中国的戏曲艺术产生于宋代。在中国历史上，这是一个封建专制制度极盛而衰，封建意识形态成熟化、定型化的历史时期。一方面，由于工商业的长足发展和城市经济的繁荣，为文学艺术的发展，提供了广阔的社会空间;另一方面，伴随着理学的兴起和日臻完备，以儒家思想为正统的封建纲常名教在意识形态领域里对社会生活，特别是对思想、文化的掌控也愈加变本加厉，乃至程、朱理学家们公开以“存天理、去人欲”的禁欲主义向人性、向人们对感官物质欲望的追求大加挞伐。所以，中国古典舞蹈在其滥觞面世之际，就不得不面临这样一种困厄的严峻社会现实;人的自由、生动的个性被“三纲五常”的名教伦理所禁锢;人对幸福、快乐和物质欲望的追求被禁欲主义的“天理”所窒息。对于戏曲中的女性角色而言，其舞台形象尤其如此。而“圆”的审美旨趣，是华夏传统文化一以贯之的追求，显现中国文化对“天”、“地”的敬畏与依赖感。在中华先人的观念中，“天圆地方”的思想根深蒂固。在中国人的“天人合一”的运思与行为模式中，“圆”是天道周而复始运行规律的最贴切体现，是表征吉祥、圆满的符号象征，同时也是万物变化终始过程的价值体现。它被中国古典舞的肢体律动不断演绎、展现，是再自然不过的事情。“倾”则是人体律动过程中动静承接转合的表征。中国文化历来注重刚柔相济之德、动静开阖之机。中国戏曲舞蹈中的“倾”，则正是体现着这种舞蹈律动中“动中有静”、“静中含动”的刚柔相济之美。
作为西方古典舞蹈范式的芭蕾舞。其艺术渊源可追溯至意大利的文艺复兴时期。在这场规模空前的思想文化解放运动中，产生了与中世纪欧洲神学意识形态相抗衡的、以“人”为中心的人文主义思潮。这一思潮诉诸人类个性的自由与解放，呼唤人性以对抗神性。在这一思潮的激励与推动下，文学艺术得到了空前的繁荣与发展。在这种历史文化沃土中孕育成长的芭蕾舞，自然体现并弘扬着这一时代精神，由文艺复兴运动所激发的古希腊文明精神，在舞蹈艺术的审美追求上，便是对人自身形体的自然美感的展示与赞美。在古希腊人的心目中，体魄健全匀称、肢体灵巧敏捷的人体是最富美感的。所以，他们并不羞于裸露自己的身体，连青年女子在参加体育运动时也是赤身露体的。古希腊人不怕在神灵的面前，在庄严肃穆的神庙或节庆仪礼上展示裸露的身体。这同中国传统文化孕育、滋养的中国乐舞乃至戏曲舞蹈的审美旨趣有所不同。中国的文化艺术历来以“文以勒首，为宗旨，《白虎通礼乐篇》曰：“乐所以必歌者何?夫歌者口言之也，中心喜乐，口欲歌之，手欲舞之，足欲蹈之。”这诸多关于舞蹈的经典言论所表示出来的审美意向，其所关注的并非是人的肢体律动所展示的感性美，而是其蕴涵的“达意”功能，即其社会政治道德教化功能。如果说，西方古典舞的审美视角所观视的是舞蹈展示的人的自然肤体的感性之美的话，则中国古典舞对舞蹈的意境之美则表现出更大的关注。惟其如此，西方芭蕾的舞者几乎无须借助任何舞具，只凭自身的形体便可以驰骋舞台，淋漓尽致地宣泄、展示人体的本然之美。而中国古典舞蹈则往往离不开形形色色的舞具以拓展舞蹈的意境氛围(诸如拔舞羽舞、干舞、旎舞、剑舞等等)。所以，从审美旨趣而言。西方芭蕾舞侧重于人的感性直观界域内对形体美感的认同与赏析;而中国古典舞则着眼于理性教化功能内对舞蹈意境美感的体悟与玩味，注重舞蹈者精、气、神的通融圆润、和谐统一。
不仅如此，中、西方古典舞蹈的艺术表现风格也各具特色，迥然有别。前者的肢体律动中，以“圆、倾、拧、曲”为经纬;后者的舞蹈语言则展示出“开、绷、直、立”的艺术风格。之所以会产生如此径渭分明的审美差异性，除了社会文化影响的作用之外，舞者的各自社会地位、身份的巨大差异性也不可忽视。中国古代戏曲的从艺者们，毫无例外地都是来自社会底层的艺人之属(“倡优”、“优伶”之谓也)。其社会地位在中古社会里长期处于“贱民”阶层。而来自意大利、兴盛于法兰西的西方芭蓄舞，通常都是由男、女贵族、达官显要们自己饰演节目。其演出环境和欣赏对象也与中国古典戏曲的乡肆化、平民化特点全然不同。15至17世纪的古典芭蕾舞一般是在豪华的宫廷演出，而参与演出和欣赏演出者也多为王公贵族和达官显要之流。其以“开、绷、直、立”为特征的肢体语言风格，正是如实地映显出宫廷显贵们高傲、矜持、优雅、浪漫的绅士贵族气质和审美趣味，使之与演出氛围融为一体，相得益彰。当然，在其后的艺术发展中，伴随着戏剧舞蹈与舞会社交舞蹈之间角色区别的日益明显，表演者的成分也发生了明显的变化。芭蕾艺术的专业化程度日益明显凸现，专职芭蕾舞者的出现已属必然。但作为一种舞蹈范式，其规范化、程式化的舞蹈元素和艺术风格却已经深深沉积在其审美理念之中。
综观中国戏曲舞蹈的历史发展进程，不难发现，作为一种中国古典舞蹈的范式，它自产生之日起，就扎根于民间和社会底层，带有浓郁的平民色彩和俗文化气息。表现的是民众的审美趣味。同西方古典芭蕾的宫廷化、学院化、专业化的创作流程不同，系统性较之西方古典舞的发展完善而言，也显得不够充实丰满。不过，展示在舞蹈审美旨趣上的“圆、倾、拧、曲”与“开、绷、直、立”的文化差异性，倒是十分贴切地折射出备受歧视、压抑的社会底层民众与养尊处优、悠哉悠哉、高高在上的王公贵族们的不同艺术欣赏品位和审美理念。
在古典舞教学中的柔韧训练技巧
在古典舞教学中，必须要进行神韵教学课程，神韵就是身法和韵律，神韵课程中形、神、劲、律的学习，都对身体的'柔韧性有较高的要求。舞者的身体柔韧度达到一定程度，才能把古典舞完美的演绎出来。如果身体的柔韧度不够，极有可能把“舞蹈”演绎成“手舞足蹈”。进行柔韧训练时，还要掌握一定的训练技巧，这样才能使训练起到更大的效果。
1.古典舞教学中柔韧训练的重要性
1.1 进行柔韧训练可以使学生更好地掌握古典舞动作要领
古典舞动作要领主要有提、沉、冲、靠、含、腆、移这七个，古典舞首先注重舞者的动作与意念相互融合，再者强调所谓的“静若处子，动若脱兔”意境，如果舞者没有进行过良好的柔韧训练，比如一些成年以后才开始学习古典舞的学生，对各项动作要领的领会也许足够深，但他们却很难把古典舞各项动作做到标准。在古典舞教学中，教师的要求一般是：干净利落的完成快速动作；圆滑贯通的完成慢板动作。学生只有进行良好的柔韧训练以后，才能更好地达到这一要求。
1.2 进行柔韧训练可以为学习古典舞速度素质打下基础
古典舞速度素质大体上和其他舞蹈速度素质要求一样，速度素质第一是指舞者的思维反应速度以及动作反应速度；第二是指舞者的动作速度，也就是舞者完成一个舞蹈动作的速度；第三是舞者的移动速度，也就是舞者在一定时间内快速移动的速度。进行古典舞学习，学生必须要掌握速度素质。在表演古典舞时，舞者的这一素质一般体现在对舞蹈音乐的反应上，速度素质好的舞者，他的动作反应有的时候甚至比其思维反应要快，这是因为他长期进行良好柔韧性训练的结果。由此可见，进行良好的柔韧训练可以为学习古典舞素质打下坚实的基础。
1.3 柔韧训练可以提高古典舞教学的质量
古典舞教学中，纵观绝大部分优秀的学生，他们可能缺乏音乐天赋，也可能对音乐知识学习不够完善，但是他们的身体柔韧性都非常强。在古典舞教学中，声韵课程是其重要的组成部分，在声韵课程中，学生的核心训练就是柔韧训练。因此，柔韧训练可以保障古典舞教学的教学质量。
2.柔韧训练在古典舞教学中的训练技巧
经过长期的古典舞教学经验总结，得出古典舞教学中柔韧训练的几点技巧：
一、在进行柔韧训练前，要做相应的准备工作。一般指的是在深呼吸使腹部鼓起后，从头部开始，到脚掌结束，将全身的肌肉简单活动开，也避免训练中拉伤。训练前准备工作一定要做，时间大约十分钟左右为宜，时间过短则身体肌肉没有完全苏醒，时间过长则会消耗过多的体力，不利于后面的柔韧训练。
二、要注意训练量适当，循环训练。在柔韧训练时，不能让学生过分的追求爆发力，过度的消耗体力，在训练前期，进行少量的训练，再根据学生的训练进度，逐渐的加大训练量，当然也要根据学生个人的身体承受能力来分别对待。柔韧训练还要循环性的进行，避免某项训练一直不练，身体的柔韧性降低。
三、在柔韧性训练时讲究动静结合的方式，但是动作静止时间不宜太长，一般10秒左右最好，静止拉伸身体肌肉后，停顿几秒，再进行动态训练。
四、进行全身柔韧性训练，切忌单单训练身体某一部位的柔韧度，这样就会使身体显得很不协调，跳出的古典舞也就会失去应有的美感。
五、对于训练中，学生一旦发现自己身体出现问题，就要马上停止训练，向老师说明并找出原因，改变训练方式或训练量，直到身体能够适应。
掌握正确的柔韧性训练，可以使学生的肌肉、韧带、肌腱等的伸展性大大增强，也能避免学生在训练时造成身体损伤。
3.总结
柔韧训练是古典舞教学的基石，提高学生柔韧训练的质量，可以有效地提高古典舞的教学质量。在进行柔韧训练过程中，掌握正确的训练技巧，可以降低训练难度，避免训练时身体受到损伤。
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